Моцарт симфония 6 о чем
Симфония № 6 (Моцарт)
Содержание
История написания и первое исполнение
Структура
Симфония написана в четырёх частях. Время звучания — примерно 16 минут.
Во второй части (Andante) Моцарт использует тему из начала своей комедии «Аполлон и Гиацинт», KV 38.
Курьёзы
Примечания
Литература
Ссылки
№ 1 | № 2 а | № 3 б | № 4 | № 5 | № 6 | № 7 | № 8 | № 9 | № 10 | № 11 | № 12 | № 13 | № 14 | № 15 | № 16 | № 17 | № 18 | № 19 | № 20 | № 21 | № 22 |
Полезное
Смотреть что такое «Симфония № 6 (Моцарт)» в других словарях:
Моцарт Вольфганг Амадей — Моцарт (Mozart) Вольфганг Амадей (27.1.1756, Зальцбург, ≈ 5.12.1791, Вена), австрийский композитор. Среди величайших мастеров музыки М. выделяется ранним расцветом мощного и всестороннего дарования, необычностью жизненной судьбы ≈ от триумфов… … Большая советская энциклопедия
Симфония № 40 (Моцарт) — Симфония № 40 соль минор KV 550 ― одно из наиболее популярных сочинений Вольфганга Амадея Моцарта. Она была окончена 25 июля 1788 года, три недели спустя после симфонии № 39. В 1791, незадолго до своей смерти, композитор создал её… … Википедия
Моцарт. Рок-опера — Mozart, l opéra rock 215px Музыка Жан Пьер Пило Оливье Шультез Слова Дов Аттья Франсуа Шоке Либретто Жан Пьер Пило Оливьер Шультез Вильям Руссо Награды Премии NRJ Music Awards в номинациях: лучшая группа дуэт труппа, песня года (Florent Mothe,… … Википедия
Симфония № 36 (Моцарт) — Симфония № 36 (Моцарт) Симфония № 36 (Линцская симфония) Вольфганга Амадея Моцарта, до мажор, KV 425, была написана во время остановки в австрийском городе Линц в 1783 году. Премьера состоялась 4 ноября 1783 года в Линце. Строение Состав… … Википедия
Симфония № 39 (Моцарт) — Симфония № 39 ми бемоль мажор Вольфганга Амадея Моцарта написана им в 1788 году вместе с Сороковой и Сорок первой симфониями и является одним из высших достижений его творчества. Содержание 1 Части 2 История создания … Википедия
Симфония № 17 — Симфония № 17: Симфония № 17 (Вайнберг). Симфония № 17 (Моцарт), соль мажор, KV129. Симфония № 17 (Мясковский). Симфония № 17 (Караманов), «Америка». Симфония № 17 (Слонимский). Симфония № 17 (Хованесс), Symphony for Metal Оркестра, Op. 203… … Википедия
СИМФОНИЯ — (от греч. symphonia созвучие) музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в сонатной циклической форме; высшая форма инструментальной музыки. Обычно состоит из 4 частей. Классический тип симфонии сложился в кон. 18 нач. 19 вв … Большой Энциклопедический словарь
Моцарт — (Johaun Chrisostomus Wolfgang Amadeus Mozart) знаменитыйнемецкий композитор, род. в Зальцбурге 27 янв. 1756 г., ум. 5 дек. 1791г. в Вене. Уже в раннем детстве М. поражал феноменальным музыкальнымразвитием; трех лет от роду он играл на клавесине,… … Энциклопедия Брокгауза и Ефрона
Симфония — (греч. созвучие) название оркестрового сочинения внескольких частях. С. самая обширная форма в области концертнойоркестровой музыки. Вследствие сходства, по своему построению, с сонатой. С. может быть названа большой сонатой для оркестра. Как в… … Энциклопедия Брокгауза и Ефрона
Симфония — (греч. symphonia – созвучие) музыкальное произведение для симфонического оркестра, написанное в сонатно циклической форме, высшая форма инструментальной музыки. Обычно состоит из 4 частей. Классический тип симфонии сложился в к. ХVIII – нач. ХIХ… … Энциклопедия культурологии
О дезинформации в названиях музыкальных композиций или что такое «Музыка ангелов»
2. Композицию «Мелодия слез»(или «Слёзы дождя») Бетховен никогда не писал, ВКонтакте красуется ошибочное название, которое придумали невежественные люди. Эту композицию написал южнокорейский пианист под псевдонимом The Daydream.
Оригинальное название композиции: Tears (Скачать ноты)
4. Музыку к фильму «Реквием по мечте» (ноты) написал Клинт Мэнселл, но не ВАГНЕР и не МОЦАРТ! (В википедии присутствует ошибка в статье о фильме, не читайте там ничего)
5. «Шопен Фредерик – Весенний вальс (или же Осенний вальс). (4.27)» Этого Шопен тоже никогда не написал, композиция Mariage D’amour с длительностью 4:27 принадлежит композиторам Paul de Senneville и Olivier Toussaint (Скачать ноты). Исполнителем является Ричард Клайдерман
9. «Шопен Фредерик – Апрель мечты.» – настоящее название Yanni Hrisomallis – One Man’s Dream (Скачать ноты)
10. Штраус – Ромео и Джульетта – это не Штраус, а Нино Рота,написавший саундтрек к фильму «Ромео и Джульетта», называется What Is a Youth?
11.Wilhelm Richard Wagner – Trne (Вагнер – слеза) – неверное название, на самом деле это Дмитрий Маликов – Прощай, жестокий мир
13.Штраус – Медленный вальс – настоящее название Secret Garden – Dreamcatcher
14. Пуччини – тоска (скрипка)еще также приписывается к Верди, Вивальди (Вивальди вообще умер задолго до появления Пуччини) и Ванессе Мэй – все это неверные названия, истинный композитор Edvin Marton обработавший мелодию из Арии Каварадосси.
15. Одинокий пастух – автор композиции Джеймс Ласт (а не Морикконе)
20. Джулио Каччини – Ave Maria.Здесь сказана правда этой композиции
24. Иоганн Себастьян Бах – Воздух (Оркестровая сюита N3 ре-мажор) – приписывается иногда Людвигу ван Бетховену.
25. Johann Pachelbel – «Canon in D major» – приписывается иногда И.С.Баху. (Скачать ноты – интерпретация Brian Crain)
28.Рихард Вагнер – Воплощение любви – (длительность 3.33) на самом деле это Toni Hulji – Croatian Rhapsody(Скачать ноты)
К сожалению, список вряд ли закончится…
#паста
взято с «около программистского блога»
Моцарт Вольфган Амадей
Краткая биография
Обычно в биографии известных людей детские годы описывают вскользь, упоминают какие-то забавные или трагические случаи, повлиявшие на формирование характера. Но в случае с Моцартом рассказ о его детских годах – это повествование о концертной и композиторской деятельности полноценного музыканта и виртуозного исполнителя, автора инструментальных сочинений.
Он родился 27 января 1756 года в семье скрипача и педагога Леопольда Моцарта. Отец оказал огромное влияние на становление сына как личности и музыканта. Всю жизнь их связывала нежнейшая привязанность, даже известна фраза Вольфганга: «После папы – только Господь». Вольфганг и его старшая сестра Мария Анна, которую дома звали Наннерль, никогда не посещали общественную школу, все образование, включая не только музыку, но и счет, письмо, чтение, им дал отец. Он был прирожденным педагогом, его методическое пособие по обучению игре на скрипке издавали десятки раз и долгое время считали лучшим.
С рождения маленького Вольфганга окружала атмосфера творчества, музыкальных звуков и постоянной занятости. Отец занимался с Наннерль на клавесине и скрипке, 3-летний Вольфи наблюдал за ними с ревностью и восторгом: ну, когда же папа позволит ему упражняться? Для него это все была игра – подбирать на слух мелодии, созвучия. Так, играя, и начались его занятия музыкой, которым он отдавался полностью.
Согласно биографии Моцарта уже в 4 года он рисует каракули на нотной бумаге, чем приводит в ярость отца, однако гнев быстро сменяется изумлением – выглядящие хаотично на бумаге ноты складываются в незатейливую, но грамотную с точки зрения гармонии пьесу. Леопольд сразу понимает высочайшую одаренность, которой наградил бог его сына.
В те времена музыкант мог рассчитывать на вполне хорошую жизнь, если найдет покровителя и получит постоянную работу. Например, заняв должность капельмейстера при дворе или доме знатного вельможи. Тогда музыка являлась неотъемлемой частью социальной и светской жизни. И Леопольд принимает решение отправиться с выступлениями по городам Европы с целью снискать славу сыну для того, чтобы позднее он смог удостоиться лучшей судьбы. Он рассчитывал уже сейчас заручиться вниманием к необычайному таланту ребенка.
В первое путешествие Моцарты (отец, сын и дочь) отправились в начале 1762 года, когда Вольфгангу было 6 лет, а его сестре – 10. Чудо-дети везде встречали самый восторженный прием, они поражали слушателей своими исполнительскими умениями и навыками. Отец стремился придать их выступлениям как можно больше эффектности. Мария Анна исполняла сложнейшие технически музыкальные пьесы, подвластные не каждому опытному клавесинисту. Вольфганг и вовсе играл не просто виртуозно – ему завязывали глаза, покрывали клавиатуру платком, он играл с листа, импровизировал. Все силы были брошены на то, чтобы произвести сенсацию и запасть в память слушателям. И их действительно приглашали много и часто. В основном это были дома аристократов и даже коронованных особ.
Но был в этом еще один интересный момент. Во время всех этих путешествий от Лондона до Неаполя Вольфганг не только демонстрировал публике свое щедрое дарование – он также впитывал в себя все культурные и музыкальные достижения, которые мог ему предоставить тот или иной город. Тогда Европа была разрознена, очаги культуры вспыхивали в разных городах – и в каждом были свои течения, музыкальные стили, жанры, предпочтения. Маленький Вольфганг мог все это слушать, поглощать, перерабатывать своим гениальным умом. И в итоге синтез всех этих музыкальных пластов дал толчок к тому мощному движению, что являло собой творчество Моцарта.
Зальцбург и Вена
Увы, планам Леопольда не суждено было сбыться. Дети выросли и больше уже не производили такого яркого впечатления. Вольфганг превратился в невысокого юношу, «такого же как все», а прошлая популярность скорее даже мешала. Ни его членство в Болонской Академии, которое он получил в 12 лет, блестяще справившись с заданием, ни орден Золотой шпоры, врученный самим католическим Папой, ни всеевропейская известность не сделали легким карьерный рост молодого композитора.
Какое-то время он состоял капельмейстером у архиепископа в Зальцбурге. Непростые отношения с этим высокомерным человеком вынуждали Вольфганга браться за заказы из Вены, Праги, Лондона. Он стремился к независимости, неуважительное обращение больно ранило его. Частые разъезды привели к желанной цели – однажды архиепископ Коллоредо уволил Моцарта, сопроводив увольнение унизительным жестом.
В конечном итоге он переезжает в Вену в 1781 году. Здесь он проведет последние 10 лет жизни. На этот период придется расцвет его творчества, женитьба на Констанце Вебер, здесь он напишет самые знаменательные свои произведения. Венцы не сразу его приняли, и вообще, после успеха «Свадьбы Фигаро» в 1786 году остальные премьеры проходили спокойно.Гораздо теплее его всегда принимали в Праге.
В то время Вена была музыкальной столицей Европы, жители ее были избалованы обилием музыкальных событий, туда стекались музыканты со всего света. Конкуренция среди композиторов была очень высокой. Но не соответствует действительности то противостояние между Моцартом и Антонио Сальери, которое мы можем увидеть в знаменитом фильме «Амадей» Милоша Формана, а еще ранее – у Пушкина. Напротив, они с большим уважением относились друг к другу.
Также близкую и трогательную дружбу он водил с Йозефом Гайдном, посвятил ему прекрасные струнные квартеты. Гайдн, в свою очередь, бесконечно восхищался талантом и тонким музыкальным вкусом Вольфганга, его необыкновенной способностью чувствовать и передавать чувства как истинный Художник.
Несмотря на то, что должности при дворе Моцарту так и не удалось добиться, его творчество постепенно стало приносить ему немалый доход. Он был независимый человек, превыше всего ставящий честь и достоинство человека. Не лез в карман за острым словом, и вообще напрямую говорил все, что думает. Такое отношение не могло оставить равнодушным никого, появлялись завистники, недоброжелатели.
Болезнь и смерть
Небольшой творческий спад, наметившийся было в 1789-90 годах, в начале 91-го быстро сменился активной работой. В конце зимы он внес изменения в симфонию №40. Весной была написана и затем летом поставлена опера «Милосердие Тита» по заказу чешского двора на день коронации Леопольда II. В сентябре был завершен совместный проект с Эмануэлем Шиканедером, товарищем по масонской ложе – зингшпиль «Волшебная флейта». В июле этого года он получил заказ на заупокойную мессу от таинственного посланника…
В начале осени Вольфганг начинает жаловаться на недомогания. Постепенно они усиливаются. Последнее выступление Моцарта датировано 18 ноября – на день открытия очередной ложи Тайного Общества. После этого он слег и уже не вставал. До сих пор ученые медики ведут споры о причинах болезни, диагнозе. Чаще всего версию об отравлении отвергают, но не исключают полностью. За прошедшие столетия подлинных документов больше не стало, наоборот, все меньше доверия вызывают многие утверждения Констанцы и других свидетелей.
Лечил композитора лучший врач Вены на тот момент, многие его методы сейчас представляются как усугубившие состояние больного, но тогда они широко применялись в медицине. В ночь с 4 на 5 декабря он умирает…
При жизни это был щеголеватый модник, ведущий несколько более свободный образ жизни, чем мог себе позволить. Сохранились многие записки, в которых он обращался к друзьям с просьбой занять денег – под очередной музыкальный проект. Но разумно распоряжаться деньгами он так и не научился. И когда встал вопрос о похоронах, оказалось, что денег у семьи на это нет.
Полностью оплатил похороны барон ван Свитен, он дал сумму, достаточную на погребение по 3-му разряду – в отдельном гробу, но в общей могиле. Тогда это была распространенная практика, ничего странного в этом не было. Кроме одного – даже место захоронения величайшего сына человеческого не сохранилось. Тогда погребальные памятники ставили за оградой кладбища.
Интересные факты о Моцарте
Половину от общего количества симфоний Моцарт написал в возрасте от 8 до 19 лет.
В 2002 году, в годовщину 11 сентября, по всей планете хоры исполняли «Реквием» Моцарта в течение суток, дабы почтить память погибших.
В крупнейшем в истории проекте записей, посвященных одиночеству, Philips Classic в 1991 году выпустил 180 компакт-дисков, содержащих полный набор аутентичных работ Моцарта. Он включает более 200 часов музыки.
Моцарт написал больше музыки в своей короткой карьере, чем многие другие композиторы, которые прожили намного дольше.
Отношения с архиепископом Зальцбургским закончились, когда его секретарь дал Моцарту пинок в спину.
Из биографии Моцарта мы узнаём, что в путешествиях гениальный композитор провел в общей сложности 14 из 35 лет.
Леопольд Моцарт описал рождение сына как «чудо от Бога», потому что тот казался слишком маленьким и слабым, чтобы выжить.
Термин «ухо Моцарта» описывает дефект уха. Исследователи полагают, что у Моцарта и его сына, Франца, был врожденный дефект уха.
Композитор обладал феноменальным слухом и памятью, даже в детстве мог с одного прослушивания запомнить сложное по форме и гармонии произведение, и затем записать его без единой ошибки.
В 1950-х годах французский врач-фониатр Альфред Томатис проводил научные эксперименты, в ходе которых доказал, что прослушивание музыки Моцарта может улучшить IQ человека, ему принадлежит термин «Эффект Моцарта»; ее также признали оказывающей терапевтическое воздействие при ДЦП, эпилепсии, аутизме и многих неврологических заболеваниях, это научно доказано.
Второе имя Вольфганга Моцарта, Феофил, означает «любимый Богом» по-гречески.
Влияние Моцарта на западную музыку глубоко. Джозеф Хейдон отметил, что «потомство не увидит такой талант даже через 100 лет».
Моцарт написал свою первую симфонию, когда ему было всего 8 лет, а оперу – в 12.
Отец запрещал Вольфгангу жениться на Констанце Вебер, подозревая корыстный интерес ее семьи к делающему первые уверенные шаги в Вене Моцарту. Но тот не послушался впервые в жизни, и вопреки воле отца женился в августе 1782. Некоторые ученые изображают ее как непостоянную, другие смотрят на нее с большей симпатией. Через восемнадцать лет после смерти Вольфганга она снова вышла замуж и помогла своему новому мужу написать книгу о Моцарте.
Известное партнерство Моцарта с Лоренцо да Понте привело к созданию оперы «Свадьба Фигаро», основанной на пьесе Бомарше. Их сотрудничество является одним из самых известных в истории музыки;
Однажды в Вене маленький Вольфганг выступал во дворце для императрицы Марии Терезии. После выступления он играл с ее дочерьми, одна из которых отнеслась к нему особенно нежно. Вольфганг на полном серьезе стал тогда просить ее руки. Это была Мария-Антуанетта, будущая королева Франции.
Моцарт состоял в масонской ложе, это было тайное общество, объединяющее наиболее прогрессивных людей своего времени. Со временем Вольфганг стал отдаляться от идей братьев, в основном, из-за религиозных противоречий.
Последнее слово композитора Густава Малера (1860-1911) перед смертью было «Моцарт».
В 1801 году могильщик Джозеф Ротмайер якобы выкопал череп Моцарта с кладбища в Вене. Тем не менее, даже после различных испытаний, остается неизвестным, принадлежал ли череп, по сути, Моцарту. В настоящее время он заперт в Фонде Моцартеум в Зальцбурге, Австрия;
Барон ван Свитен дал на похороны Моцарта 8 флоринов 56 крейцеров – именно это сумму когда-то потратил Вольфганг на шутливые похороны своего скворца.
Исследователи выдвинули в качестве гипотезы по меньшей мере 118 причин смерти Моцарта, включая ревматическую лихорадку, грипп, трихинеллез, отравление ртутью, почечную недостаточность и стрептококковую инфекцию.
По мнению нескольких биографов, Моцарт был маленьким человеком с сильными глазами. В детстве Вольфганг переболел оспой, которая оставила на лице шрамы. Он был худой и бледный с прекрасными волосами и любил элегантную одежду.
Считается, что в «Реквиеме» он успел написать только первые 7 частей, а остальное дописал его ученик Франц Ксавер Зюсмайр. Но есть версия, по которой Вольфганг мог завершить «Реквием» несколькими годами ранее. Ученые все еще спорят о том, какие части Моцарт действительно написал.
У Моцарта и его жены было шестеро детей, из которых только двое пережили младенчество. Оба сына не имели семьи и детей.
Моцарт становился все более популярным после смерти. На самом деле, как отмечает биограф 20-го века Мейнард Соломон, его музыку по-настоящему оценили посмертно.
Композитор родился католиком и оставался им всю жизнь.
Моцарт был тенор. Во время камерных концертов в ансамбле он обычно играл на альте. А также был левшой.
Известный физик Альберт Эйнштейн очень любил музыку. Он обучался игре на скрипке, но по-настоящему сумел проникнуться ею только после того, как «влюбился в сонаты Моцарта».
Эйнштейн считал, что музыка Моцарта потребовала от него технического совершенства, и тогда стал усиленно заниматься.
Констанца, супруга Моцарта, уничтожила многие его зарисовки и чертежи после смерти композитора.
У Моцарта было несколько домашних животных, включая собаку, скворца, канарейку и лошадь.
Моцарт. Письма
Время сохранило множество портретов Моцарта, выполненных разными художниками, но все они между собой сильно различаются, трудно определить, были ли среди них наиболее близкие к оригиналу. Зато прекрасно сохранились письма композитора, которые он писал всю свою жизнь, будучи в постоянных разъездах – письма матери, сестре, «дражайшему папа», кузине, супруге Констанце.
Читая их, можно составить подлинный психологический образ гения, он словно живой предстает перед нами. Вот 9-летний мальчуган искренне радуется удобной бричке и тому, что извозчик мчит быстро. Вот он передает пламенный привет и низкий поклон всем, кого знает. Это был галантный век, но Моцарт умеет без излишней напыщенности и витиеватости проявить уважение, не теряя достоинства. Письма, обращенные к родным, полны искренности и доверительности, эмоциональности и вольного обращения с синтаксисом, ведь они писались не для истории. В этом их настоящая ценность.
В зрелые годы у Вольфганга формируется собственный эпистолярный стиль. Очевидно, что литературный дар ему присущ не в меньшей степени, что и музыкальный. Владея поверхностно несколькими языками (немецким, французским, итальянский, латинским), он легко составляет из них новые словоформы, с юмором играет словами, острит, рифмует. Его мысль скользит легко и непринужденно.
Следует отметить, что со времени написания писем немецкий язык прошел большой путь развития от локальных диалектов до национального языка. Поэтому многое в них современникам покажется не совсем понятным. Например, тогда было принято обсуждать публично проблемы пищеварения. Ничего, выбивающегося из нормы, в этом не было. То же с грамматикой и орфографией – Моцарт следовал своим правилам, а возможно, даже не задумывался об этом. В одном абзаце мог трижды написать имя какой-то персоны – и все 3 раза по-разному.
В России в советское время моцартоведы лишь частично цитировали некоторые из его писем – тщательно отредактированные. В 2000-м году вышло полное издание переписки семьи Моцартов.
Личные цитаты
«Я пишу как свинья» (по поводу того, как много пишет).
«Я не обращаю внимания на чью-либо похвалу или вину. Я просто следую своим собственным чувствам»;
«Всякий раз, ложась спать, я помню, что возможно (как бы Молод я ни был), мне не суждено будет увидеть завтрашний день. И все же ни один человек из всех, кто меня знает, не скажет, что я в общении мрачен или печален. «(4 апреля 1787).
«Люди ошибаются, считая, что мое искусство легко приходит ко мне. Уверяю вас, никто не посвятил столько времени и размышлений композиции, как я».
Творческое наследие
Исследователей и биографов поражает чудовищная работоспособность Моцарта. Учитывая его занятость на службе, репетиции, концерты, гастроли, частные уроки, он успевал при этом писать – на заказ и по собственному велению души. Он сочинял музыку во всех существовавших тогда жанрах. Некоторые сочинения, особенно ранние, детских лет, утеряны. Всего за свои неполные 36 лет он написал более 600 произведений. Почти все они являются абсолютными жемчужинами симфонической, концертной, камерной, оперной и хоровой музыки. За прошедшие 2 века интерес к ним только усиливается. Многие жанры он существенно развил и преобразовал, задав новую планку и ориентиры в искусстве.
Так, например, в его операх «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта» драматургия шагнула далеко за пределы традиционных для того времени музыкальных спектаклей. Более сильную смысловую нагрузку приобретает сюжет, часто композитор принимает самое горячее участие в разработке либретто, дает рекомендации по построению фабулы. Каждый образ действующих лиц получает более детальную психологическую прорисовку, становится «живым» не только с помощью текстов, но и через выразительные музыкальные средства.
Также сильное драматургическое развитие получает у него симфония. Во многих из них можно увидеть сходство с оперным принципом построения – опора на конфликт, противостояние, сквозное развитие. С другой стороны, увертюра к «Свадьбе Фигаро» настолько совершенна по форме, что ее исполняют отдельно в концертах как оркестровое произведение.
Симфонизм как высший тип музыкального мышления в творчестве Моцарта утверждает каноны классического стиля. Однако в целом весь его творческий путь прошел эволюцию от рококо (в основном, в детских сочинениях), затем через венский классицизм до предпосылок к раннему романтизму. Остается лишь предполагать, какой бы была музыка этого гения, столь эмоционального, восторженного, искреннего, если бы ему довелось дожить до эпохи романтического расцвета.
Среди музыкальных произведений Моцарта 41 симфония, 27 фортепианных концертов, 5 скрипичных концертов, 27 концертных арий, 23 струнных квартета и 22 оперы.
Образ Моцарта в театре, кино, телевидении и других медийных проектах
Симфонии ре мажор
Ре мажор – едва ли не самая ходовая тональность в оркестровой музыке за всю ее историю. Прежде всего, в барочно-классическую эпоху. В музыке XVII, XVIII и начала XIX века она представляла самый яркий и праздничный аффект. Множество ораторий и особого рода «торжественных» месс («missa solemnis») написано композиторами именно в ней, «in D». (Вспомним Баха, вспомним Бетховена.) В ней же – огромное количество оркестровых увертюр и сюит, у того же Баха или Генделя. У Моцарта – подавляющее большинство оперных увертюр и «больших» серенад для полного состава оркестра с большим количеством разных частей.
Для ре мажора почти всегда выбиралась самая торжественная инструментовка: к обычным струнным и духовым добавлялись трубы и литавры. Натуральные валторны и трубы употреблялись всегда в строе «ре» («in D»), в котором они звучат высоко и празднично. (Вспомним традиционные баховские или генделевские «хоры» трех труб с литаврами – как, например, в двух баховских оркестровых увертюрах, в генделевской «Музыке королевских фейерверков» или во 2-й сюите из его «Музыки на воде». Обратите внимание, что эти инструменты употребляются этими композиторами в сочинениях данного рода только в этой тональности!) Ре мажор также особенно удобен для струнных. Их звучание получается ярким и солнечным благодаря частому применению открытых струн в аккордах и пассажах.
В «классическом» XVIII веке проще сказать, кто из композиторов НЕ сочинял симфоний в ре мажоре. Их написано столько, что легко можно сбиться со счета…
У Гайдна в ре мажоре (по разным подсчетам) всего 23 или 24 симфонии (из 107 или 108) – то есть, это самая распространенная его тональность в этом жанре! Символично, что в ней написаны его самая первая и самая последняя симфонии – Hob. I:1 и Hob. I:104 по каталогу Гобокена. Даже их датировки выдают нам мистические «танцующие» последние две цифры: 1759 и 1795. Получается промежуток в 36 лет, в течение которых Гайдн создал все свои больше ста симфоний!
Необычен состав оркестра в его ре-мажорной симфонии Hob. I:6, открывающей триаду программных симфоний «Утро», «День» и «Вечер» (1761). Это единственные названия, данные гайдновским симфониям самим автором. Притом – по-французски, следуя моде «галантного стиля» середины столетия. Все они соединяют в себе черты собственно симфонии и концерта для оркестра («concerto grosso») с солирующими инструментами. В симфонии «Утро» («Le matin») к обычным двум гобоям и двум валторнам (постоянно наличествовавшим в оркестре князя Эстергази – для которого Гайдн творил большую часть жизни и написал большинство своих симфоний) добавлены флейта и фагот. Гайдн дает возможность посолировать всем духовым инструментам, а из струнных у него солируют скрипка, виолончель и даже контрабас!
Для большого оркестра Гайдн стал писать свои симфонии не сразу: видимо, сказывался дефицит труб и литавр в капелле Эстергази. Знатоки сообщают: двух трубачей и литавриста в княжеский оркестр приглашали специально по торжественным случаям – из соседнего военного гарнизона. Поэтому у некоторых гайдновских ре-мажорных симфоний 1770-х годов имеется по два варианта инструментовки: с добавлением труб–литавр или без таковых – как, например, в его Симфонии Hob. I:53 (1778), получившей прозвище «Империальная» («L’Impériale»). С нее эта практика у Гайдна, собственно, и началась. Обязательные («облигатные») трубы–литавры появляются у Гайдна лишь в Симфонии Hob. I:73 (1781), получившей название «Охота» («La Chasse»). (Напоминаю: все эти названия придуманы не самим Гайдном!)
Далее идут уже его поздние симфонии: 6 «Парижских» (1786) и две серии «Лондонских» (по 6 в каждой – 1791-1792 и 1794-1795 годов). Из поздних гайдновских симфоний («Парижских» и «Лондонских») в ре мажоре написано всего пять, а именно:
Hob. I:86 (1786) – «Парижская» симфония №5;
Hob. I:93 (1791) – «Лондонская» симфония 1-й серии №1;
Hob. I:96 (1791) – «Лондонская» симфония 1-й серии №4, по прозвищу «Чудо» («The Miracle») – так как во время ее премьеры с потолка упала здоровенная люстра и, по счастью, никого не убила;
Hob. I:101 (1793) – «Лондонская» симфония 2-й серии №3, по прозвищу «Часы» («Die Uhr») – из-за ее знаменитой «тикающей» второй части;
Hob. I:104 (1795) – «Лондонская» симфония 2-й серии №6, самая последняя симфония, написанная Гайдном, известная под разными прозвищами: либо просто «Лондонская», либо – «С волынкой» («Mit dem Dudelsack»), из-за характерного протяжного гудящего баса в финале. Симфония эта начинается мощным и, наверное, самым выразительным у Гайдна драматическим медленным вступлением.
Лишь в последней серии «Лондонских» симфоний Гайдн стабильно использует полный так называемый «парный» состав оркестра: струнную группу, по два духовых инструмента каждого вида (флейт, гобоев, кларнетов, фаготов, валторн и труб), а также пару литавр. (В предыдущей серии – всё то же самое, но только без кларнетов.) Богатый город Лондон располагал такими возможностями! Задним числом этот состав оркестра стал считаться «классическим».
Как уже было сказано, ре мажор особенно любил Моцарт. Помимо упомянутых серенад и оперных увертюр, симфоний в этой тональности он написал почти половину от общего их числа. Всего у него более сорока симфоний, которые мы с уверенностью считаем моцартовскими, – отсекая прочие, которые со временем были признаны либо сомнительными, либо однозначно других авторов. Это если считать и те симфонии, в которые он потом переделал некоторые свои серенады и увертюры. Среди последних в первую очередь вспомним его симфонии по «большим» многочастным серенадам, созданным в родном городе Зальцбурге: «Коллоредовской» (1775), «Хаффнеровской» (1776) и «С почтовым рожком» (1779). Все они – как на подбор, в ре мажоре. Названия в кавычках (как и у Гайдна) тоже не авторские, а общепринятых номеров у них нет, так как в старый моцартовский ПСС издательства «Брайткопф» они не вошли. Переделка из серенад в симфонии заключалась в том, что Моцарт из этих сочинений изъял «лишние» части. Но даже и в этом случае количество частей получилось неодинаковым: в «Коллоредовской» симфонии-серенаде их традиционно четыре; в той симфонии, что по серенаде «С почтовым рожком», – всего три; зато в «Хаффнеровской» – целых пять! (Из-за двух менуэтов во второй и в четвертой части: очевидный рудимент их «серенадного» происхождения.)
А вот самые известные из «оригинальных» ре-мажорных симфоний Моцарта (по традиционной «брайткопфовской» нумерации):
№31 (KV 297, «Парижская», 1778);
№35 (KV 385, «Хаффнеровская», 1782);
№38 (KV 504, «Пражская», 1786).
«Парижская» симфония 1778 года (в трех частях) – самая первая у Моцарта, где задействован полный классический «парный» состав оркестра. Столь богатые возможности ему мог предоставить оркестр знаменитой парижской антрепризы под названием Concert spirituel («Духовные концерты»), для которой эта вещь была написана, когда Моцарт находился во французской столице. Размахом формы и мощью оркестровых тутти, своими захватывающими взлетами и нарастаниями звучности она открывает новый период в его симфонической музыке. (Все это влияния парижской и мангеймской школ – так называемые «мангеймские крещендо»!) Отец Моцарта Леопольд заметил по этому случаю, что французы вообще любят шумные симфонии. Трехчастность этого сочинения – тоже дань французской традиции.
«Хаффнеровская» симфония (четырехчастная, написанная в Вене в 1782 году) не имеет ничего общего с упоминавшейся более ранней серенадой с таким же прозвищем – и даже несмотря на одинаковую с ней тональность. Это вторая и последняя из симфоний Моцарта, написанных для полного «парного» состава оркестра. (Хотя полностью он звучит только в крайних быстрых частях!) Как мы можем заметить, обе симфонии такого рода у Моцарта – исключительно в ре мажоре! Создана она была по случаю возведения в дворянское достоинство Зигмунда Хаффнера, богатого купца из Зальцбурга (для которого Моцарт ранее уже написал свою серенаду).
«Пражскую» симфонию – несомненно, лучшую из всех своих ре-мажорных и одну из лучших своих симфоний вообще! – Моцарт написал для исполнения в Праге в промежутке между операми «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», в самом конце 1786 года. (Премьера состоялась месяц спустя, в начале следующего года, когда автор приехал туда ставить «Свадьбу Фигаро».) Симфония эта снова трехчастная, без менуэта – что не совсем обычно для поздних симфоний Моцарта. Оркестр в ней менее полный по сравнению с двумя предыдущими симфониями: в нем отсутствуют кларнеты. Это самая потрясающая из симфоний Моцарта по силе драматических контрастов и погружениям в самые трепетные сферы духа. В ней слышны и лирическая светотень из «Фигаро», и «донжуановский» фатализм. Медленное вступление, сильнейшее по драматической силе и провалам в бездны далеких гармоний, напоминает явление Командора в предпоследней сцене «Дон Жуана». Кроме того, «Пражская» – одно из самых мастерских сочинений Моцарта по насыщенности и небывалой изобретательности контрапунктической техники.
Если Бетховен написал свою самую первую симфонию в до мажоре, то в следующем по высоте мажорном тоне «ре» он сочинил Вторую симфонию ор. 36 (1802). В третьей ее части впервые в истории музыки вместо незыблемого доселе Menuetto появляется Скерцо. (По-итальянски «scherzo» означает «шутка».) Это музыка в том же трехдольном размере, что и менуэт, – но гораздо более подвижная, с остроотточенным ритмом. Начиная с Бетховена, скерцо вместо «устаревшего» менуэта станет нормой для большинства симфоний в XIX и даже в XX веке. К тому же, со Второй симфонии Бетховена начинается отсчет уже не массового, а «штучного» ре мажора в этом жанре.
У Шуберта в ре мажоре законченных симфоний всего две – и обе достаточно ранние.
Первая (DV 82, 1813) – сочинение невероятно зрелое для автора, которому к тому моменту исполнилось всего 16 лет. Это своего рода «дипломная работа» по окончании юным композитором венского Придворного конвикта. При всей внешней близости к классическим образцам, в этой симфонии слышен уже будущий «взрослый» Шуберт – особая лирическая теплота его песенных тем и удивительные для столь еще юного композитора выражения самых сокровенных состояний души, которыми будет наполнено его зрелое творчество.
Другая его ре-мажорная симфония – Третья (DV 200, 1815) – в этом смысле еще более «шубертовская», и она еще сильнее, чем Первая, пропитана весенним венским воздухом.
После этого Шуберт как минимум три раза предпринимал попытки написать новую симфонию в ре мажоре. И каждый раз почему-то безуспешно. В самый последний год своей жизни (1828) он начал сочинять большую симфонию в этой тональности, которая так и осталась в эскизах. Судя по ним, она могла стать настоящим откровением «позднего» Шуберта – своей эпической протяженностью, сокровенной лирикой, трагизмом и героикой «с опущенной головой». А также – с новыми находками по сравнению с предыдущими симфониями. Но… порой ангел смерти ударяет по устам, заставляя замолчать… (Попытки реконструкции этих эскизов, предпринимавшиеся до сих пор, слишком малоубедительны и откровенно плохо выполнены технически. Более творческое решение предложил итальянский композитор Лючано Берио, использовав эти шубертовские фрагменты в виде цитат в своей симфонической пьесе «Rendering» 1989 года.)
Мендельсон – если не считать двух его ранних симфоний для струнных (1821-1822 годов) – свою собственную «большую симфонию in D» написал уже после смерти Бетховена (и Шуберта), в 1830 году. Официально она считается у него Пятой – но лишь по порядку публикации, так как издана она была спустя много лет после его смерти. (Лишь в 1868 году – под опусом 107!) На самом же деле она моложе его и «Итальянской», и «Шотландской» симфоний. Фактически это его вторая по счету большая симфония после Первой симфонии до минор (о которой мы говорили в одном из предыдущих выпусков). Симфония эта программная, и называется она «Реформационная»: Мендельсон написал ее к 300-летию так называемого «Аугсбургского исповедания» – самого раннего богословского кодекса протестантов. Впрочем, ре мажора в ней не так уж и много. В нем симфония начинается (медленное вступление) и в нем же она заканчивается (в финале). Во всем основном быстром разделе первой части господствует одноименный минор: ведь Реформацию пришлось завоевывать с боем!
Мендельсон родился в еврейской семье, но в возрасте семи лет родители крестили его по протестантскому обряду, и композитор вырос убежденным христианином, приверженцем лютеранской веры. Программность его симфонии – борьба Реформации с католицизмом – подчеркивается музыкальными цитатами. В медленном вступлении к первой части звучит «Дрезденский Амен» – короткий распев, сочиненный в XVIII веке композитором Иоганном Готлибом Науманом для мессы в Придворной католической церкви в Дрездене. (В то время курфюрст Саксонии, бывший одновременно и польским королем, должен был придерживаться католической веры – в отличие от большинства его саксонских подданных.) Позднее эту тему использовали в своих сочинениях и Вагнер (в опере «Парсифаль»), и Брукнер (в мотетах и в Пятой симфонии), а также – некоторые композиторы ХХ века (об этом – ниже). А во вступлении к финалу «Реформационной» симфонии звучит знаменитый протестантский хорал, сочиненный самим Мартином Лютером: «Твердыня наша – вечный Бог» («Ein feste Burg ist unser Gott»), своего рода протестантский ответ «Дрезденскому Амену». На преобразованиях этой мелодии строятся темы всего быстрого раздела финала.
Оркестр этой симфонии расширен по сравнению с обычным классическим «парным» составом. Автор добавляет три тромбона (первым в истории симфонии это сделал еще Бетховен в своей Пятой!), а в финале, ко всему прочему, еще контрафагот и серпент (!) – очень низкий духовой инструмент, род басового горна, который Мендельсон использует вместо не изобретенной еще к тому времени тубы.
У романтиков ре мажор встречается в симфониях гораздо реже, чем у классиков. Они больше любили начинать свои симфонии в ре миноре, после которого одноименный мажор «завоевывался в борьбе». «Возрождение» ре мажора наступает позже, когда эту тональность полюбили композиторы, имена которых часто пишут через запятую: Брамс, Чайковский и Дворжак. И хотя отношения между ними были не всегда простыми, ре мажору они отдали дань на славу.
У Чайковского в ре мажоре – Третья симфония ор. 29, написанная в 1875 году. Это единственная его симфония, основная тональность которой мажорная. Хотя медленное вступление к ней все равно звучит в миноре. (Таким образом, у Чайковского нет ни одной симфонии, которая не начиналась бы в миноре!) Долгое время ее исполняли реже всех прочих его симфоний – хотя именно в ней Чайковский раскрывается со всех своих сторон: и с праздничной, и с элегической, и с драматически-фантастической. Симфония необычна еще и тем, что в ней не четыре, а пять частей. Это создает интересную симметрию. Обе ре-мажорные части – крайние (первая и пятая), и обе выдержаны в блестяще-парадном, можно сказать даже, в великосветском ключе. Третья часть – лирический центр, одна из лучших элегий у Чайковского. А обе «четные» части – вторая и четвертая – два заменителя скерцо. Вторая – что-то вроде вальса-лендлера («Alla tedesca»), а четвертая – фантасмагория, предвосхищающая «Щелкунчика» и «Пиковую даму». Финал – в ритме торжественного полонеза, из-за чего за границей к этой симфонии прилепилось прозвище «Польская». (Хотя настроение этой музыки, наоборот, очень русское!)
У Брамса в ре мажоре – Вторая симфония ор. 73 (1877 года), написанная им в Баден-Бадене, среди гор, лесов и рейнских долин. Для Брамса эта тональность означает не столько блеск и торжество, сколько пантеистический покой, природу и единение с мирозданием. В ней тоже нет обычного скерцо. (Как и вообще его нет ни в одной из симфоний Брамса!) Вместо этого в третьей части – прозрачное созерцательное интермеццо, с постоянно меняющимися контрастными картинами. Напомню: Брамс был убежденным сторонником «классической» натуральной меди в оркестре. В крайних частях его симфонии играют трубы «in D» – а также две пары валторн в разных строях: «in D» и «in E». В си-мажорной второй, медленной части к оркестру прибавляются тромбоны и совершенно «неклассическая» туба (эти же инструменты появятся потом только в финале), а вся натуральная медь меняется на редкий строй «си» («in H»)! В третьей части оркестр, наоборот, освобождается от всех «тяжелых» медных: остаются лишь одни валторны (в строях «in G» и «in C»).
У Дворжака в этой же тональности – симфония, известная в наши дни как Шестая (ор. 60, 1880 года). Это первая из последних его пяти симфоний, которые он при жизни сам счел достойными публикации. (Поэтому долгое время она публиковалась у автора как Симфония №1!) В ней преобладает ликующее настроение. И здесь композитор тоже «борется» с традиционным уже скерцо: вместо него в третьей части звучит «бешеный» народный чешский танец Фуриант в одноименном миноре.
Назовем еще одного известного русского автора симфонии в тональности ре мажор. Это – Глазунов. Его Третья симфония ор. 33 написана в 1890 году, и в ней тоже слышен образ расцветающей весны, очень левитановско-русской. Там же – одно из лучших глазуновских скерцо: протяженное и предельно драматичное.
У Малера в ре мажоре – почти то же самое, что и у Гайдна: самая первая и самая последняя из завершенных им симфоний, Первая и Девятая. Но подчеркиваю: последняя именно из завершенных автором. После Девятой симфонии он начал писать еще одну – но уже не смог ее завершить. (О ней мы поговорим в другой раз.)
Как всегда у Малера, форма и драматургия его симфоний очень нетипичны по сравнению с предшественниками. Во-первых, они превосходят по протяженности их даже самые развернутые симфонии. (Началось это, положим, еще с Брукнера, но у этого композитора нет ни одной симфонии в ре мажоре.) Во-вторых, в них необычайно подчеркнуто повествовательно-программное и даже театральное начало. (Впервые возникло это, опять-таки, не у Малера, а у Берлиоза – но у последнего тоже нет ре-мажорных симфоний.) В-третьих, в своих симфониях Малер не только каждый раз заново «сочиняет» порядок частей, делая его всегда уникальным, но и словно «взрывает» свои симфонии изнутри совершенно необычным обращением с музыкальным языком, с оркестром, используя намеренные мотивные аллюзии и ассоциации. Все это – мышление уже совсем новой эпохи.
Девятая симфония Малера, завершенная в 1910 году, задумывалась, очевидно, как симфония-прощание. Ее автор (всего пятидесяти лет от роду) тогда уже тяжело болел, и дни его были сочтены. Видимо, поэтому он не испугался наконец-то дать своей новой симфонии «бетховенский» порядковый номер – то, что он побоялся сделать в предыдущем своем сочинении. (Которое назвал симфонией-кантатой «Песнь о земле», чтобы избежать порядкового номера, поставив ее как бы вне ряда своих «номерных» симфоний. В следующий раз мы специально поговорим о том, что такое «проклятье Девятой симфонии» – одно из распространенных композиторских суеверий.) Девятая Малера – почти в точности, как и Первая! – состоит из четырех частей с двумя скерцо посередине. (И во второй ее части – снова пародия на лендлер, еще более злая, чем в Первой симфонии, но вместе с тем и более иронично-отстраненная. А третья часть – уже совсем загадочно-недоброе Рондо-бурлеск.) К тому же еще обе крайние части симфонии – медленные! Завершается она прощально-сокровенным Адажио, которое написано не в ре мажоре, а… в ре-бемоль мажоре. (См. предыдущий выпуск нашей рубрики, где шла речь о симфониях в этой тональности.) Мы помним, что Малер часто завершал свои симфонии не в тех же самых тональностях, в которых он их начинал. Нарушая классическое «единство тонального центра» в симфонии, он тем самым придавал им гораздо больше сходства с романом.
Среди других ре-мажорных симфоний начала ХХ века – сочинения двух скандинавских композиторов. Первый, наиболее известный – финн: Жан (а не «Ян»!) Сибелиус. Другой – швед: Курт Аттерберг. Сибелиус написал свою Вторую симфонию (ор. 43) в 1902 году. Она у него одна из лучших и потому – самых часто играемых. Третья симфония Аттерберга под названием «Картины Западного побережья» (ор. 10) – 1916 года. Обе эти симфонии двух северян вышли очень созерцательными.
Ну а дальше – Сергей Сергеевич наш Прокофьев. «Классическая» симфония 1917 года (ор. 25) – самое первое его сочинение в этом роде, так не похожее на его последующие симфонии. Изумительная по элегантности и остроумию музыка, которая одновременно – одна из первых ласточек европейского неоклассицизма. В ней нас снова приветствует старый добрый радостный «классический» ре мажор. Я бы сказал даже – «акмеистический», учитывая, что 1910-е годы – расцвет поэзии Мандельштама и Ахматовой, любовавшихся классическими образами в своих стихах. Сам Прокофьев охарактеризовал свою Первую симфонию, что она написана как «если бы Гайдн дожил до наших дней». Старшие современники и бывшие консерваторские наставники композитора возмущались больше всего именно ее авторским названием: молодой нахал сам назвал свою симфонию классической!
Вслед за Прокофьевым – его старший друг Мясковский: Пятая симфония 1918 года (ор. 18). Тоже одна из самых исполняемых у него. Но, конечно же, без всякой игривости и «неоклассицизма». Мясковский был человеком вообще очень серьезным и неулыбчивым…
Больше ничего особо выдающегося из симфоний в «честном» ре мажоре русскими композиторами не создано. Можно вспомнить сочинения, написанные в некоем условном «in D», – начиная со Стравинского. Но именно симфоний в этой тональности у него все равно нет. Еще можно вспомнить аллюзии на ре мажор в виде неожиданно появляющихся трезвучий в сочинениях Эдисона Денисова – в том числе и в его Первой симфонии 1986 года. Но ни о каком ре мажоре как о тональности тут говорить уже не приходится.
Из западноевропейских симфоний военных и послевоенных лет стоило бы назвать Пятую симфонию англичанина Ральфа Воана-Вильямса – сочинение 1943 года, посвященное Сибелиусу (композитору, весьма высокочтимому в англоязычных странах!). Номинально она тоже написана в ре мажоре – хотя «чистый» ре мажор там появляется только в финале. Всего в ней четыре части: Прелюдия, Скерцо, Романс и Пассакалья. Для этой симфонии автор использовал несколько музыкальных тем из своей оперы «Путь паломника», тогда же им и задуманной. Но самое интересное: в конце первой части он цитирует уже хорошо знакомую нам тему «Дрезденского Амена»! (Вспомним упомянутую уже «Реформационную» симфонию Мендельсона, написанную столетием раньше!)
В 1977 году польский композитор Кшиштоф Мейер написал «Симфонию в моцартовском стиле» – без порядкового номера. («Порядковых» симфоний у него всего семь.) Она тоже проходит по ведомству «ре мажора» – со всеми необходимыми оговорками, а именно – с поправками на постмодернистскую игру «в тональную музыку».
ЛЮБИМАЯ СИМФОНИЯ
В качестве «любимой симфонии» я предлагаю уже упомянутую «Пражскую» Моцарта. Исполнение – самое любимое мое еще с детства: Московский камерный оркестр под управлением Рудольфа Баршая. В наши дни можно только завидовать перфекционизму, с каким работали эти музыканты в 1960 годы. Слышна каждая линия, каждый контрапунктирующий голос. Вместе с тем здесь звучит настоящая экспрессия позднего Моцарта – которой далеко не всегда хватает многим сегодняшним «исторически информированным» аутентистам.