Музыкальный перфоманс что это
Музыкальный перфоманс что это
Не останавливаясь подробно на проблемах изучения данного направления, на существующих исследовательских концепциях, обосновывающих правомерность применения того или иного термина, отметим преемственность развития искусства новых медиа и цифрового искусства. Термин «New Media Art» исследователи применяют для обозначения направления, объединившего разные виды искусств, и использующего различные технические средства (телефон, факс, телевизор, компьютер), любые современные медиа технологии. Непрерывное развитие последних определяет динамику смены направлений в «Media Art». Термин «Digital Art» подразумевает применение технических средств в цифровом формате, что дает больше возможностей для поиска новой выразительности.
Искусство цифрового перфоманса и функционирование в нём музыки является относительно новым проблемным полем современного искусствоведения. Большинство попыток его осмысления было предпринято зарубежными авторами, среди которых следует выделить монументальное исследование С.Диксона, посвящённое истории развития медиа-технологий, вопросам бытования цифрового искусства в театре, кино, танце [9]. Отдельного внимания заслуживают работы, касающиеся философского осмысления проблемы использования цифровых технологий в изобразительном искусстве, кинематографе, отчасти литературы в рамках эстетики постмодернизма, а также исследования, обращающиеся к феноменам виртуальной реальности и виртуальности (В. Бычков, Н.Маньковская [2], С.Ерохин, А.Мигунов [5], И. Кулагина [4], Е.Русинова [6], С.Бежанов [1]). Многие работы посвящены анализу этапов становления цифрового искусства (Д.Галкин [3]), отдельных направлений искусства, связанных с применением цифровых технологий (А.Шульгин [7]). Не смотря на существование большого числа публикаций, рассматривающих различные области цифрового компьютерного искусства, либо проблемы применения компьютерных технологий в театре и кинематографе, в данной сфере практически отсутствуют исследования, связанные с изучением функционирования музыки в синтетических жанрах, представляющих сложный сплав театра, хореографии, кино, музыки.
Следует отметить, что обозначенные процессы характеризуют не только американскую музыкально-танцевальную культуру. Аналогичные тенденции можно наблюдать в европейском Contemporary Dance, российском современном танце. Если в 1960-х годах американский музыкально-театральный перфоманс развивался в рамках экспериментального искусства, то количественное нарастание подобных опытов в 1990-х позволяет говорить о формировании крупного пласта, демонстрирующего значимую тенденцию в современной культуре.
Цифровой перфоманс представляет собой аудиовизуальный продукт, мультимедийный проект, функционирующий как коммерческое искусство, нацеленное на массовую аудиторию, на так называемое групповое сознание. Такое позиционирование определяет его важнейшие музыкальные свойства. В произведении присутствует установка на авторское самовыражение, следование эстетическим законам не является главенствующим. Создатели спектакля опираются на уровень развития вкуса, ожидания и внушения потребителей. Искусства, составляющие единое целое теряют свои имманентные свойства. В большей степени это касается музыки, где композиция ориентирована на визуальный ряд, звук понимается как компонент общего действия, включается в структуру текста функционально. Соответственно роль композитора-творца модифицируется, на первый план выходит звуковое проектирование.
Музыка включается в сверхсложный контекст танцевального действия, создавая дополнительную игру смыслами. В произведения вводятся фигуры «несмысла», неясности, многозначности, формируя сжатый, многослойный образ. Поиски современных художников направлены на схватывание уровня субъективного опыта предшествующего объективации. Авторы избегают создания предметов искусства, организовывая вместо этого экспериментальную среду и перцептуальные ситуации. Музыкальные тексты могут представлять собой компилированные композиции, где заложенные композитором образы меняют смысловую нагрузку в зависимости от контекста.
Важнейшие для искусства концепты времени и пространства стали основой для формирования нового понимания музыкально-хореографического искусства, направленного на поиск человеческой субъективности, познания человеком себя и окружающего мира. Под влиянием видер-арта и кинематографа в работах М.Каннингема, К.Карлсон, Н.Корсино формируется новое отношение ко времени, связанное с опровержением идеи линейности и абсолютности. М.Каннингем, сотрудничая с идеологом экспериментальной музыки Дж.Кейджем и находясь под влиянием философии последнего, выдвигает концепцию эмансипации движения, жеста. Исследование процесса движения, своеобразное его деление на «атомы», приводит к пониманию его автономности, свободе от системных связей, снятию психологизма. Идея отрицания «целостного движения», разложения движения на первоэлементы, доведения до автономии чистого листа воплотилась в постановках и других хореографов. М.Каннингем, и вслед за ним И.Райнер. Т.Браун, применяли характерную для музыкального минимализма модель континуального времени, понимая время как поток, объективно длящийся процесс обладающий динамикой движения и статикой бесконечности, у них сложилось представление о спектакле как о континуальном процессе.
Хореографы обрели возможность захватить и передать реальность, сделав настоящее время, опыт проживания настоящего мгновения предметом художественного изображения. Зритель может физически почувствовать течение времени между чередованием движений, тем самым ещё больше индивидуализируя личный опыт восприятия спектакля. Сопоставление внешнего времени художественного действия с внутренним временем зрителя становится характерным приёмом работы в творчестве К.Карлсон. В постановках «Знаки» «Тигры в чайном домике» на музыку Р.Обри и Дж.Босвелла, хореограф замедляет движение до минимальной скорости, использует приемы задержки, остановки движения, давая возможность зрителю переживать каждое мгновение. При этом разнится характер движения времени визуального и аудиального рядов.
Формированию тенденции экспериментирования с пространством способствовало усовершенствованию звукотехники, развитие технологического уровня музыкального ряда в спектакле. В музыкальный театр 1990-х годов внедряется шестиканальный цифровой оптический стандарт Dolby Digital и технология записи и воспроизведения звука «Surround EX». Эти и другие последующие стандарты многоканального звука были широко растиражированы благодаря киноиндустрии. Одной из первых постановок, где были использованы новые технологии и методы работы с многоканальным цифровым звуком, стал «Biped» М.Каннингема-Г.Брайерса (1999 г.). Вслед за звуковыми дизайнерами в кинематографе, композиторы, работающие в музыкальном театре стали использовать ряд приёмов, способных искусственно расширять или сжимать пространство, контролировать перемещение звука. Популярными стали эффекты, позволяющие звуку постепенно заполнять пространство, плавно перемещаться по окружности, либо перемещаться в произвольном направлении, формировать глубинную локализацию звука и тем самым создавать ощущение изменения звукового пространства.
Публикация подготовлена в рамках поддержанного РГНФ научного проекта №13-04-00378
Рецензенты:
Шевляков Е.Г., доктор искусствоведения, профессор кафедры истории музыки Ростовской Государственной консерватории им. Рахманинова, г. Ростов-на-Дону.
Крылова А.В., доктор культурологии, профессор, проректор по научной работе Ростовской Государственной консерватории им. Рахманинова, г. Ростов-на-Дону.
Наиболее продолжительные музыкальные клипы и перфомансы
Музыканты часто экспериментируют с длительностью композиций, клипов и выступлений. В прошлом году американский дуэт Twenty One Pilots записал видео с рекордной длительностью — его транслировали на протяжении 178 дней.
Сегодня хотим рассказать о других продолжительных перформансах. Среди них — классика от короля поп-музыки и тысячелетний муз. эксперимент.
Фотография: Aron Visuals. Источник: Unsplash.com
Жуткие танцы Майкла Джексона
В 1993 году Майкл Джексон написал песню «Is It Scary». Она должна была стать официальным саундтреком к фильму «Семейные ценности Аддамсов». Однако у музыканта возникли разногласия со студией Paramount, поэтому композиция так и не стала частью картины. Тогда поп-певец решил снять собственное небольшое кино на её основе. В итоге получилась короткометражка «Ghosts» — она стала наиболее продолжительным клипом и попала в Книгу рекордов Гиннеса.
Сюжет напоминает классические фильмы про вампиров и монстров. Жители небольшого городка ополчились на отшельника, живущего в особняке на окраине. Постановкой руководил Стэн Уинстон, который работал над спецэффектами таких франшиз, как «Парк Юрского Периода», «Терминатор», «Чужой» и «Хищник». По его задумке, Майкл играл несколько персонажей — мэра города, демона, скелета.
Фотография: Breakreate. Источник: Unsplash.com
Авторы планировали, что продолжительность «Ghosts» составит примерно 22 минуты, однако в ходе съемок хронометраж вырос до 39 минут. Посмотреть полную версию клипа можно на Vimeo. Когда он только вышел, критики встретили новинку прохладно. Они посчитали, что концепция раскрыта не полностью, а музыкант просто цепляется за дни былой славы, подаренные культовым «Thriller». Однако современники отмечают, что «Ghosts» — уникальный и одновременно странный образец поп-культуры девяностых, о котором мало кто помнит. В то же время короткометражка вызывает чувство ностальгии по старым фильмам ужасов.
«Бесконечное» счастье Фаррелла Уильямса
Короткометражка «Ghosts» удерживала звание самого продолжительного музыкального клипа на протяжении семнадцати лет. До тех пор, пока в 2013 году Фаррелл Уильямс не выпустил двадцатичетырёхчасовое видео на песню «Happy».
По своей сути клип представляет собой нарезку танцев. Изначально ролик должен был поставить Woodkid, который работал с Ланой Дель Рей, но в итоге им занимался творческий коллектив We Are From LA. Во время съемок они активно использовали прием под названием «Дон Жуан», когда камера медленно отъезжает назад. В проекте приняли участие как актеры массовки, так и известные личности — например, рэпер Tyler, the Creator, коллектив Odd Future и актер Стив Карелл, известный по телесериалу «Офис». Для показа клипа музыкант запустил специальный сайт, но сейчас он не работает. Оценить творчество Фаррелла можно на YouTube, для удобства ролик разбит на часовые отрезки. Однако есть и официальный четырехминутный клип-компиляция, где собраны наиболее яркие моменты.
Стоит заметить, что не все по достоинству оценили старания певца и его команды. Можно встретить мнение, что трек повторяет сам себя, поэтому ролик достаточно быстро надоедает. Как говорится, beauty is in eye of the beholder.
Тысячелетняя музыка поющих чаш
Проект Longplayer отличается от предыдущих перформансов. Это не видеоклип, но музыкальная композиция с планируемой продолжительностью в тысячу лет. Она играет с 31 декабря 1999 года. В основу трека положен музыкальный этюд на тибетских чашах продолжительностью 20 минут и 20 секунд. Специальный алгоритм (код которого написан на языке SuperCollider) микширует его отрезки так, чтобы музыка ни разу не повторилась за все время воспроизведения.
Фотография: Magic Bowls. Источник: Unsplash.com
Поскольку неизвестно, что ждет вычислительные системы через тысячу лет, авторы прорабатывают и другие варианты воспроизведения, включая механические (в реальном, а не цифровом мире). Они организовали фонд, который обеспечит преемственность технологий и гарантирует, что музыка продолжит звучать. Так, в 2009 году прошел тысячеминутный live-концерт, когда группа из шести музыкантов посменно играла шестнадцать часов в здании маяка Боу-Крик в Лондоне.
Послушать трек можно на официальном сайте (для этого нужно скачать pls-файл) или с помощью специального приложения.
О чем еще мы пишем в нашем «Мире Hi-Fi»:
Другие материалы в нашем блоге на Хабре:
ТОП 5 Легендарных Музыкальных Перфомансов
Изначально эта статья задумывалась, как описание развития музыкальных перформансов — начиная с первых крутых рок и фанк выступлений, через расцвет поп-музыки в 2000-х и до текущих концертов рэперов.
Однако, чем больше я копался в материале,тем больше находил подтверждение тому, что крутые и значимые перфомансы были всегда. Нет никакой связи, никакого развития или деградации — есть жемчужины, которые остались в истории. О них и поговорим — о самых значимых, легендарных выступлениях в музыкальном мире, которые разделили историю на “до” и “после”.
1. The Beatles, шоу Эда Салливана (1964)
В конце 1963 года началась в Англии битломания — страна просто помешалась на четверке из Ливерпуля, но это явление еще не растеклось по всему миру.
Шоу Эда Салливана — это типичное late night шоу, предок “Вечернего Урганта”. Оно было очень популярно у американцев, туда постоянно приходили звездные гости, и для Битлз оно стало окном в США.
Эд увидел группу во время гастролей по Европе и договорился о выступлении на своем шоу всего за 10.000 долларов. Почему “всего”? Потому что выпуск этого шоу стал одним из самых просматриваемых в истории TV того времени. Его посмотрело больше 70 миллионов (!) людей! Это в эпоху, когда не было всяких Ютубов.
Шоу Эда — даже не кирпич, а как минимум бетонная плита в монументе под названием “Великая группа The Beatles”. Можно сказать, что именно он позволил ребятам влететь с ноги в американский эфир, набрать армию фанатов, 10 премий Грэмми, войти в Зал славы рок’н’ролла и просто в историю музыки.
2. Jimi Hendrix — Monterey Pop Festival (1967)
Все, что вы должны знать о Джими Хендриксе:
1. Очевидцы говорят, что он употреблял такое количество кислоты (мы говорим про ЛСД), что никто другой не мог никогда в жизни съесть. Вообще непонятно, как он выживал под такими дозами.
2. Он был богом гитары. Гением. Дьяволом. Никто не играл на гитаре круче, чем Джими. Ни до, ни после.
Итак, мы в 1967 году. Хендрикс — бог и гуру электрогитары, но пока только в Европе. В США — его знают, но скорее гитаристы и люди из музыкальной тусовки, чем обычные люди.
На тот момент разбить гитару об пол, разнести барабанную установку, проломить усилитель — это привычный перфоманс для рок’н’рольщика, так уже делали на многих концертах. Например для группы The Who, разбивание гитары в конце концерта — это уже фирменный жест их гитариста Пита Таунсенда.
Чес Чендлер (басист из The Jimi Hendrix Experience) придумал поджечь гитару в конце выступления прямо началом выступления в отеле «Астория». Он вспомнил про Джерри Ли Льюиса, который в 1958 году поджег рояль на сцене со словами: «Пусть какой-нибудь сукин сын это повторит!».
Джимми — повторил. Да так, что про фокус от Джерри Ли сейчас мало кто помнит, а горящую гитару Джимми — миллионы.
Как это выглядело — заканчивается последняя песня группа бьется в припадке, барабанщик лупит по всему, до чего может дотянуться, басист херачит по всем струнам. А Джимми кидает на пол гитару, начинает хлестать ее ремнем, потом достает бутылочку с бензином для зажигалок, обливает инструмент, чиркает спичкой и начинает “колдовать” над пламенем. Потом обожженную гитару разбивают об сцену и убегают за кулисы. После номера в Астории, Джимми увезли в больницу с ожогами обеих рук.
Это не помешало ему выйти в июне 1967 и повторить это на глазах у 100.000 зрителей.
Сам Хендрикс объяснил свой поступок так: «Я решил уничтожить мою гитару в конце песни как жертву. Вы приносите в жертву вещи, которые любите. Я люблю мою гитару».
А теперь найдите мне сукиного сына, который повторит это.
3. Parliament — Flashlight (1978)
Parliament Funkadelic — группа музыкантов из 70х, под предводительством Джорджа Клинтона, которая оказала огромное влияние на музыку в общем и черную музыку в частности. Например, их считают создателями жанра P-Funk. Это одновременно и сокращение от Parliament Funkadelic, и психоделический фанк. Такие звезды как Dr.Dre, Snoop Dogg, Ice Cube, Eazy-E и другие — признавались, что P-Funk во многом повлиял на их творчество.
По факту — это два отдельных проекта, где играли одни и те же музыканты. Parliament — делали r’n’b, соул, штамповали хиты, работали на широкую аудиторию. Funkadelic — темная сторона музыки, эксперименты со звуком, продолжение идей, начатых Хендриксом, эдакий “черный рок”.
Мы поговорим не об одном выступлении, а о перфомансе, привязанном к конкретной песне. Эта песня Parliament — Flashlight. Хотя песня вышла в 1978 году, когда большинства читателей этого материала и в планах не было, кто-то мог слышать ее в титрах к «Стражам Галактики 2».
Отличительной особенностью шоу было то, что на сцену вытаскивали огромный бутафорский фонарик, в человеческий рост и светили по залу, по толпе. Звучит странно? Вы просто не знаете, как выглядели участники группы.
Кричащие, яркие наряды, странные аксессуары, парики, шляпы — совсем не похоже на фанк группы того времени, играющие музыку типа Джорджа Брауна, одевавшиеся в костюмы, брюки клеш и тщательно укладывающие волосы на голове.
Это был эпатаж уровня Леди Гаги, но в том времени =)
В общем, со временем, люди начали проносить свои фонари и светить ими во время исполнения Flashlight. Участники группы говорят, что порой, людей с фонариками было так много, что в зале становилось настолько ярко, будто включили всё освещение.
Но далеко не все площадки разрешали приносить большие тяжелые предметы, из-за соображений безопасности. Тогда один из рекламщиков или менеджеров группы предложил: “Все кайфуют от Звездных Войн и от нас. Давайте продавать световые мечи как в «Звездных Войнах!” В итоге, зал выглядел примерно вот так:
К чему я это все рассказываю. Световые мечи тоже недолго продержались. И все начали пользоваться тем, что во времена хиппи, марихуаны и угара было у каждого в кармане — зажигалками. И именно отсюда пошла традиция держать их зажжёными (а сейчас — телефонами) на концертах.
Кто то спорит с этим и утверждает, что всё было намного раньше, совсем при других обстоятельствах, но мне эта версия нравится больше всего.
4. Майкл Джексон на Motown 25 (1983)
Майкл Джексон — культовая фигура сама по себе, даже без отдельных упоминаний его перфомансов. Хотя есть один такой, который хочется особо отметить.
В 1982 году вышел культовый альбом “Thriller”. Для тех, кто не в курсе, именно на этом альбоме были “Billie Jean”, “Beat It” и одноименный “Thriller”. Это самый продаваемый альбом в мире за всю историю музыки. По некоторым оценкам, продано уже больше 100 миллионов копий альбома. Ближайший конкурент — “The Dark Side of the Moon” от Pink Floyd имеет ровно в два раза меньше.
Представляете это настроение? Вокруг просто истерия по Джексону, никто больше ничего не слушает, Billie Jean звучит на каждом радио.
Музыкальный лейбл Motown празднует 25-летие и собирает концерт всех своих артистов, приглашая туда Майкла (хотя он уже какое-то время назад ушёл с лейбла). Джексон спел несколько песен с его братьями из Jackson 5, после чего остался на сцене один.
И вот тут то — все и произошло. Первое исполнение Billie Jean на ТВ. И самое главное — первая лунная походка. Вот видео с концерта. Просто послушайте, как реагирует зал.
Никто из артистов не танцевал так, как делал это Джексон. Никто не пел так. По рассказам очевидцев, люди пытались повторять лунную походку сразу после концерта в коридорах и на улице.
В общем, Майкл — это музыкальная легенда, с этим спорить точно нельзя.
5. Daft Punk, Coachella (2006)
К 2006 году Daft Punk уже выпустила 3 альбома, первые два из которых стали золотыми, платиновыми и любимыми в народе. Хиты “Harder, Better, Faster, Stronger” и “Around the World” звучали из каждого утюга. Но третий альбом “Human After All” критики встретили очень смешанными отзывами, типа “хз, как то одинаково, нет крутости первых трех альбомов, ну так себе”…
Дальше — хуже. Альбом номинировали на Грэмми, но он проиграл пластинке “Push The Button” от The Chemical Brothers.
Казалось бы — всё, закат эпохи. Но в апреле назначена Коачелла — один из главных и старых музыкальных фестивалей. И именно на ней пацаны просто разорвали и как говорят сейчас “перевернули игру”.
Чтобы вы понимали — в 2000-х еще не делали крутые световые перформансы на электронной сцене. Вообще, в самом начале сетап был такой — колонки и проектор. Всё.
Потом начали потихоньку добавлять экраны, подсветку, но все равно это было очень скупо и скучно. Вот как выглядел сетап Daft Punk на фестивале:
8-метровая пирамида с огромными световыми инсталляциями, на вершине которой стояли музыканты. Всё это располагалось под тентом, куда должно было поместиться 10.000 слушателей. А пришло — 40.000. И те, кто находился внутри, писали друзьям смски типа: “Срочно приходите, вы пропускаете самое крутое выступление фестиваля!”
Французы сделали невозможное. Во-первых, часть песен были из нового альбома. И сразу после выступления хлынул поток отзывов типа “О, господи, как мы могли не распробовать эти треки, это же шикарно!” И критики и слушатели резко переменили свой взгляд на последнее творчество коллектива. Во-вторых, Зал Славы Рок’н’Ролла (а там знающие дядьки сидят) назвало это выступление “однмс из лучших за всю историю фестиваля”. Так что после Коачеллы у Daft Punk открылось второе дыхание и их карьера опять пошла стремительно вверх.
Полную видеозапись в хорошем качестве вы не найдете нигде, но вот тут есть небольшой отрывок, взятый из документалки “Daft Punk Unchained” от Showtime:
А если хочется послушать, то вперед на аудиосервисы за альбомом «Alive» 2007 года — это полностью идентичный сетлист из одноименного тура французов. Слушайте, кайфуйте.
Естественно, это далеко не все перфомансы, которые повлияли на музыкальную культуру. Список можно продолжать бесконечно. Но без этих, по моему мнению, обойтись — никак нельзя.
Слушайте больше хорошей музыки, ходите на концерты любимых исполнителей. Вдруг один них станет легендарным и попадет в этот список.
Автор: Игорь Мартыненко
Самые странные музыкальные перформансы мира, которые могли бы выиграть Евровидение
Ежегодное «Евровидение» поражает зрителей не искренним музыкальным талантом выступающих а, скорее, умением артистов устроить на сцене впечатляющее зрелище. Если одних этот перформанс отталкивает, то других, напротив, наполняет гордостью и за выступающих, и за страну, породившую этаких героев.
Костюмы, сценические приемы и сам стиль музыки разнится от страны к стране. Неизменным остается только одно: смотреть на выступающих нормальному человеку несколько стыдно. Уважаемый музыкальный критик, Артемий Троицкий, как-то очень метко охарактеризовал Евровидение упражнением в китче, к которому ни в коей мере не нужно относиться серьезно. Следуя его совету, мы решили собрать несколько самых ярких музыкальных перформансов мира, каждый из которых с легкостью стал бы победителем подобного конкурса. Устраивайтесь поудобнее.
Blue Man Group
Уже третий десяток лет парни из Blue Man Group удивляют зрителей как своим видом, так и музыкальными способностями. Каждое выступление команды неизменно пользуется огромным успехом — других людей в синих масках, которые умеют виртуозно играть на поливинилхлорвинидных трубах, в мире просто нет.
Hurra Torpedo
Норвежская команда Hurra Torpedo предпочитает использовать в качестве музыкальных инструментов обыкновенные предметы. Пилы, тарелки, молотки и даже холодильники начинают издавать вполне осмысленные звуки в руках этих талантливых музыкантов. Ребята записали не так много треков, однако все случившиеся живые концерты собирали настоящие толпы народа. Нет причин думать, что Hurra Torpedo не смогли бы взять одно из первых мест на Евровидении.
Buckethead
Этот паренек, чье настоящее имя Брайан Патрик Кэррол, всю свою жизнь посвятил музыке — музыке, и странным концертам. Патрик постоянно выступает в надетом на голову ведре из-под куриных крылышек KFC, танцует Robot Dance и пытается рассказать зрителям о курином холокосте, который заваливает перьями отчаяния всю планету. Зрителей, к слову сказать, собирается очень много: Buckethead входит в 50 лучших электрогитаристов всех времен и народов.
Zebra finch guitarists
Состав этой группировки постоянно меняется — полосатые зяблики не отличаются долголетием. Перформанс придумал французский художник Селеста Монье и очень успешно выступал с ним, несколько лет назад, по всей Северной Америке.
Michigan Mobile Phone Ensemble
Использовать телефоны в качестве полноценных музыкальных инструментов — почему бы и нет. Команда, под руководством настоящего композитора, Джорджа Ессл, умудряются с помощью смартфонов выдавать действительно впечатляющие мелодии.