На наброске художник делает примерное графическое изображение предмета или ситуации. Здесь все изображено в обобщенном и несколько упрощенном виде. Автор подмечает только главные характеристики объекта и фиксирует их на бумаге.
От зарисовки набросок отличается меньшей детализацией. Также не всегда под наброском принимается эскиз: так как цель эскиза в будущем превратиться в картину, а любой набросок может органично существовать и сам по себе.
На наброске художник может изобразить все что угодно – человека, группу людей, животных, предметы, интерьер, пейзаж и так далее. В качестве материала для рисования обычно используют любую бумагу, но, в принципе, можно сделать такое изображение и на чем угодно. Ограничений здесь нет.
Как инструмент для рисования небольших быстрых изображений можно применить любое подручное средство – карандаш, фломастеры, краски, авторучку, уголь, соус и так далее. Наиболее же популярны наброски карандашом.
Наброски карандашом – для чего нужны?
Хотя, конечно, любой человек может делать наброски просто для своего удовольствия, но в классической живописи выделяют две главные причины выполнения указанных рисунков.
Причины для чего делаются наброски:
Развитие навыков. Для любого художника очень важна наблюдательность. Именно для развития наблюдательности специалисты советуют начинающим мастерам делать наброски. Мало того, в любой хорошей(!) художественной школе вам обязательно посоветуют делать наброски всегда и везде – на улице, в транспорте, на работе, в гостях, в кафе, в зоопарке и так далее.
Также при выполнении быстрых несложных рисунков развиваются и другие навыки хорошего художника: умение владеть карандашом, способность схватывать суть образа, изображать увиденное на бумаге, развивать глазомер, понимать пропорции и многое другое.
Основа будущего рисунка. Часто набросок выступает как отправной материал будущих композиций. Собранные наброски рисунков являются золотым фондом художника.
Впоследствии, опираясь на данный материал, он уже в студии может собрать воедино различные элементы картины, и бесконечно долго прорисовывать детали. В самом же начале процесса с помощью наброска он смог зафиксировать свое восприятие предмета, свои эмоции от увиденного, и это очень ценно.
Карандашные наброски – какие виды существуют?
В настоящее время принято различать четыре вида набросков:
Наброски с натуры. Рисунок выполняется от начала и до конца с параллельным наблюдением за человеком, предметом или ситуацией со стороны.
Наброски по памяти. Здесь изображение делается по памяти. Художник что-то увидел и потом быстро зарисовал это на бумаге. Таким образом человек рисовал не с натуры, но то что он изображает, имело место быть в действительности.
Фантазийные наброски. Речь идет о небольших зарисовках, идеи которых родились в голове человека. И чтобы не забыть возникший образ или идею, он фиксирует задумку на листе. Тут используется только воображение, фантазия художника.
Комбинированные наброски. Это рисунки, в которых скомбинировано несколько видов набросков. Например, человек что-то увидел, а потом добавил еще что-то от себя на картинке. Или он начал рисовать набросок с натуры, а закончил его уже по памяти.
Чтобы научиться красиво и правильно делать наброски, приходите в нашу школу рисования «Аквамарин». Наши опытные педагоги помогут вам нужными советами, и вы сможете в полной мере овладеть указанной техникой. Будете получать удовольствие от результата, процесса, а также будете радовать своим творчеством окружающих людей.
Хотите научится рисовать? Приглашаем вас на бесплатный пробный урок в нашей школе. Жми!
«Я давно понял, что для искусствоведов самовыражение важнее сути.»
«Почему я, сын известного московского живописца, детство и юность проведший среди художников, в коллекции которого больше живописи и графики, чем в ином региональном музее, должен слушать искусствоведов, которые отродясь и кисти то в руках не держали?»
В Википедии термин «картина» применительно к живописи определяется как «произведение искусства, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением.» Понятия же «этюд», «эскиз» и «набросок» применительно к живописи вообще свалены в Википедии в одну кучу и сводятся к одному понятию – набросок, подготовительный материал к собственно картине художника.
Посмотрим, так ли это на практике:
Вот откуда, из «времён Очакова и покоренья Крыма», перекочевали давно устаревшие определения художественных терминов в «Википедию»! Да и в другие словари, увы, тоже, а уже оттуда – в наши головы.
Однако уже к концу XIX века с демократизацией общества взгляды на то, каким может быть, если можно так выразиться, конечный продукт в живописи, кардинально поменялись. Если французским импрессионистам ещё пеняли именно этюдностью их работ, то уже А.К. Саврасов призывал своих учеников «учиться у натуры». Из русских художников Константин Коровин, например, прославился именно своими натурными этюдами, собственно тематических картин он практически совсем не писал. Мы живём уже в XXI веке, но продолжаем в отношении живописи пользоваться пониманием её терминологии 200-летней давности, парадокс, да и только!
Непонимание самых простых, употребляемых в повседневной речи, терминов живописи, на основе столь древнего их понимания, сознательно навязанное широкой публике уважаемыми искусствоведами, которые, как это вполне очевидно, именно что ПРОФЕССИОНАЛЬНО ничего не понимают в искусстве, способно поставить обыкновенного человека в тупик. Поэтому в этой статье хотелось бы рассмотреть основные общеупотребительные термины в живописи применительно уже к современной нам ситуации.
ЗНАЧЕНИЯ СЛОВА «ПИСАТЬ» (с ударением на втором слоге, разумеется)
Зато эти господа, «ведающие искусство», а проще говоря, критики, то есть журналисты, пишущие на тему об искусстве, успешно навязали всем остальным людям ложную идею, что в искусстве, мол, «надо разбираться». А кто в искусстве разбирается? Ясное дело, никто кроме искусствоведов!
Таким образом, нам успешно объяснили, что в изобразительном искусстве мы с вами ничего не знаем и не понимаем. И самое интересное, что мы с этим полностью согласны! Кого не спросишь: «Я в живописи не понимаю», «Я в искусстве не разбираюсь»…, и в этом духе.
А в чём тут, собственно говоря, разбираться? Искусство, в том числе и изобразительное, создаётся для нас, простых людей, а не для «специалистов», оно апеллирует к эстетике, во всех нас заложенной природой. В искусстве для зрителя, читателя, слушателя, есть лишь два критерия – нравится и не нравится. Вы будете читать скучную книгу? Смотреть плохой фильм или пьесу? Будете слушать оперу, музыку, песню, которая Вам не нравится? Вы считаете Казимира Малевича гениальным художником, а Велимира Хлебникова – гениальным поэтом? Нет? Браво! Вы прекрасно разбираетесь в искусстве!
А вот чтобы нас с вами можно было, как выразился Пётр I, «от других незнающих болванов распознать», необходимо, всё-таки, уяснить себе несколько общераспространённых, часто встречающихся в обиходной речи терминов, касающихся в данном случае живописи.
МАТЕРИАЛ ДЛЯ КАРТИНЫ ХУДОЖНИКА
Непрофессионалы с подачи всё тех же искусствоведов обычно считают, что настоящая картина маслом должна быть написана исключительно на холсте, а другие основы вроде художественного картона вообще, мол, не заслуживают внимания. Тогда «Мону Лизу» и картиной считать не стоит, ведь для работы Леонардо использовал доску липы.
То же самое можно сказать и об оргалите, хотя он значительно более тяжёлый, чем картон. Советские художники оргалит часто сами грунтовали, а то и просто, для того чтобы удобнее было писать и кисть не пружинила, специально наклеивали грунтованный холст на оргалит. Вот Вам яркий пример, натюрморт с сиренью вполне картинного размера:
А что же холст? Исключительно с ним художники Российской Империи работали до 1862 года, когда русская промышленность стала выпускать художественный картон.
К холсту требуется тяжёлый подрамник плюс хорошая натяжка на него холста. При этом приходится долго ждать, пока краска просохнет после окончания работы, иначе холст нельзя свернуть, так как непросохшие краски слипнутся между собой, и картина будет совершенно испорчена. Сохнуть же краски могут и целый месяц. Вот у художника и начинается вынужденный простой. Для перевозки картина, если она большая, снимается с подрамника, аккуратно сворачивается на большую бобину живописью вверх чтобы не повредить живопись. Следующий этап – после доставки на место вновь натянуть холст на подрамник, правильно, без перекосов, морщин по углам и провисаний, но и без излишнего натяжения (всё это тоже может повредить живописный слой). А со временем, натянутый на подрамник холст, под действием перемен влажности и температуры может провиснуть или наоборот, слишком сильно натянуться, что может грозить даже разрывом холста. Это, в свою очередь, может вызвать осыпь красочного слоя, погубив или испортив живопись. Вот поэтому то в залах и запасниках художественных музеев так строго следят за постоянством влажности и температуры.
Художественный картон имеет немало достоинств. Он лёгкий, уезжая на пленэр его можно поместить в специальную деревянную рамку с зажимами, имеющую сверху ремённую ручку для переноски. Представление об этом полезном приспособлении даёт сохранившийся в бумагах моего отца чертёж такой рамки для этюдов, которую отец заказывал какому-то столяру. Вот этот чертёж:
Иногда живописец берёт с собой на этюды сразу два картона. Сначала используется один, а затем, если
изменилось освещение или настроение или привлёк внимание какой-то другой мотив, художник берёт второй картон и пишет уже на нём. Окончив работу, он переворачивает картоны сырой пока ещё живописью внутрь рамки и закрепляет их зажимами. Друг друга картоны не касаются. Живопись при этом остаётся целой и невредимой. Сохнуть она будет в мастерской.
Поэтому после 1862 года, когда было налажено промышленное производство грунтованного художественного картона, живописцы постепенно всё больше стали ездить на пленэр с картонами.
Господа искусствоведы, которые обо всём этом вообще ничего не знают, да и сами ни одного этюда не написали, презрительно относятся к художественному картону, отчего-то считая живопись на картоне заведомо незаконченной, исходя при этом лишь из того, что на картоне пишутся в основном этюды, которые, как мы увидим ниже, всегда законченные, тщательно проработанные произведения, зачастую требующие очень большого труда. Мало того, было ещё изобретено слово «этюдность», используемое как синоним недоделанности, небрежности и… незавершённости! Но позвольте спросить, какое отношение имеет небрежность исполнения или незавершённость картины к тому, на чём она написана? Да и этюдов на холстах разве не бывает?
Строго говоря, это не картина, а натурный этюд, выполненный художником непосредственно в заводском цехе, но об этой терминологии речь пойдёт ниже.
Самое главное – это не материал, на который нанесена живопись, а то, как сумел художник отразить действительность, настроение, свои ощущения и предать их зрителю. Материал основы, будь то холст, картон, оргалит, бумага, доска или даже тонкое оцинкованное железо, к этому никакого отношения не имеет. Важен талант, опыт, хорошая художественная школа. Рассказывают, что в Абрамцево у С.И. Мамонтова как-то раз меняли на доме крышу. М.А. Врубель подобрал кусок кровельного железа и написал на нём сирень. Так что ж теперь, это не Врубель?
Вот «Портрет Смирновой Д.П., работницы Трёхгорной мануфактуры, депутата Верховного Совета СССР»
работы советского художника Сергея Фёдоровича Соловьёва. Он тоже выполнен на оцинкованном железе. Портрет, в силу его более чем скромных размеров 37,5х31,5 см и столь официозного названия, явно представляет собой натурный этюд для большого заказного портрета передовика производства. Видимо, когда модель явилась для позирования в мастерскую художника, у того не оказалось под рукой ничего другого, вот он и написал вполне законченный небольшой женский портрет, который потом, возможно с некоторыми незначительными изменениями, перенёс на большой холст.
Иногда, в силу тогдашнего дефицита во всём, советские художники писали масляными красками даже на бумаге, совершенно для этого не предназначенной. Так, в частности, иногда поступал и мой отец. Потом, уже после смерти отца, мне пришлось наклеивать эту бумагу на картон. («Выпал снег» бумага на картоне, масло; 61,5х82; 1969 год )
К ак длинный путь начинается с первого шага, так и любой рисунок начинается с эскиза. Что это такое, обязательно ли его делать и что он даёт?
Эскиз (от франц. esquisse) – предварительный набросок, фиксирующий замысел художественного произведения или отдельной его части.
Руслан Озеров «Словарь художественных терминов»
Это проект вашей будущей картины. Какая идея ляжет в основу рисунка? Что собой представляет сюжетный замысел? На чём вы сконцентрируете внимание и какие детали добавите? На эти вопросы вам предстоит ответить, выполняя зарисовку.
Зачем выполнять эскиз?
Набросок решает главные вопросы, без которых не может обойтись творческое произведение. Задачи эскиза:
Это уже композиция. Но работа над ней не кончается созданием эскиза. Её совершенствование не покидает художника до последнего взмаха кисти. Зарисовка – обязательная часть работы. Делать эскизы – значит думать карандашом. Как писал Льюис Кэрролл, «любое приключение должно с чего-либо начаться». Каждый новичок должен приучить себя браться за творчество с наброска.
Как лучше делать эскиз рисунка?
Перед вами чистый лист. Отбросьте пока рассуждения о деталях будущей работы. Определите основную мысль и наметьте план картины целиком. Прислушайтесь к гению Леонардо, который советовал: выполняйте эскизы широкой кистью. Если будет ясна суть, то дальнейшая проработка нюансов сделает её ещё выразительнее.
А если ведущая мысль теряется уже сразу, никакие детали не помогут. Леонардо да Винчи говорил о живописной технике. Художники используют также графическую. Чем ещё можно делать эскиз, кроме кисти?
Новичку проще всего вооружиться карандашом. Купите набор с твёрдыми и мягкими грифелями. Работая с ними, вам нужно заботиться только над одной характеристикой – тоном. Это относительная градация света и тени внутри одного цвета. Каждый карандашный грифель обладает своим эстетическим рядом, богатым разнообразием штрихов. Небольшая сила нажатия – и у вас получилась тонкая, слабая линия. Надавили сильнее – и вот перед вами мощная драматическая полоса. Карандашом легко создавать текстуру или форму, например, с помощью штриховки, в том числе поперечной.
Уголь – не менее замечательный материал для проработки эскизов. Экспериментируйте с ним, как угодно, создавайте тональный спектр, не беспокоясь о цвете. С помощью методов снятия слоёв и стирания корректируйте шкалу оттенков. Чтобы уголь в окончательном варианте работы не стёрся, используйте фиксирующий спрей. Научились орудовать грифелем и углём? Тогда можно делать наброски пастелью и карандашом Конте. Вдохните в творчество цвет!
Примеры эскизов известных художников
В наследии мастеров изобразительного искусства зарисовки имеют особую художественную ценность – это не только часть подготовительной работы, но и самостоятельные произведения. Посмотрим, например, на эскиз картины Василия Сурикова «Боярыня Морозова». Уже в зарисовке воплощён художественный образ. Это чёрный силуэт на фоне снега, светлых фигур и заснеженных строений. Вспомним и полотно уже упомянутого Леонардо «Мадонна с младенцем». Подготовительный рисунок к произведению хранится в Лувре. На эскизе изображена Мадонна.
Автор сосредоточился на выражении лица героини. И уже потом, в основной работе, появятся оттенки эмоций: слегка дрогнувшие в улыбке губы матери, воплощение большой любви к ребёнку, драматический намёк на попытку отлучения от груди.
Изучите и другие зарисовки мастеров: к картинам «Не ждали», «Бурлаки на Волге» Ильи Репина, «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо, «Невеста» Густава Климта. Пусть они будут вашей теорией. Возьмите карандаш, сделайте первый шаг – и дорога возникнет сама собой!
*Картины известных художников взяты из свободного доступа в интернете и используются на сайте в учебно-образовательных целях.
Скетч от английского слова – эскиз, набросок, зарисовка. Причем понятие в первую очередь относилось не к рисованию, а к театру и кино. Однако, статья посвящена рисунку, поэтому я расскажу именно об эскизах, набросках и зарисовках на листе бумаги. Этот термин объединяет все эти три понятия. Однако, в них есть разница.
Набросок – рисунок в несколько линий
Набросок – очень обобщенное изображение чего-либо, сделанное в минимально-короткое время с минимальным количеством графических средств. Художник что-то увидел, это его привлекло, и он это быстро набросал без подробной детализации буквально несколькими линиями тем, что было под рукой (ручка, например). Наброском можно назвать и такую ситуацию – Вас спрашивают, как оно выглядело? А Вы берете карандаш и раз раз раз – ну как-то так. Набросок – это старт любого рисунка. То есть сначала Вы набрасываете на листе форму в общем, а потом уже детализируете, правите, передвигаете линии. Вот такие наброски делал Леонардо да Винчи
Эскиз – часть чего-то большего
Эскиз – это часть более детальной, более сложной работы. Это тоже набросок, но его цель – дальнейшая переработка в картину, этюд или какое-то другое произведение. Эскиз от наброска отличается и тем, что может быть довольно подробным, детальным, может в точности изображать то, что уже перенесется на законченное произведение искусства. Вот первоначальный эскиз картины А.А.Иванова «Явление Христа народу». Хочется отметить, что к этой картине было сделано тысячи эскизов! Этого художника называют «художником одной картины», но сколько он к ней готовился!
Зарисовка – объединяет все
Зарисовка по сути очень похожа как на эскиз, так и на набросок. Зарисовки обычно делаются с натуры, могут быть детализированными и самостоятельными работами. А могут делаться для того, чтобы собрать данные для какой-то другой работы. Зарисовки часто составляют основу для эскиза. То есть Вы задумали картину, Вам нужно сделать ее эскиз, для этого Вы идете в парк, допустим, и зарисовываете с натуры деревья, которые потом поместите на эскиз будущей картины. Вот зарисовки персонажей с уже упомянутой выше картины. А вот зарисовки кошки Леонардо да Винчи. Английский язык не так разнообразен, как богатый русский, и поэтому слово скетч не делает разграничения между этими понятиями. Лично для меня, разница в них, действительно, минимальна, и я понимаю людей, которые любое изображение на листе бумаги называют скетчем. Ибо суть у этих понятий действительно одна – рисовать. И все таки неплохо быть немного образованным и с легкостью в какой-то ситуации сказать « ух, какие хорошие наброски!», «эскиз у тебя не доработан», «эх, мало я зарисовок сделал!», то есть в определенных ситуациях пользоваться разнообразными словами, а не одним.
Значение скетчинга для развития навыков художника
Давайте разберемся, какое значение для художника имеет скетчинг. Огромнейшее! Это основа основ! Когда Вы рисуете в студии на занятиях, по какому-то уроку в интернете, с репетиром и т.д. Ваш мозг сосредоточен на том, чтобы выполнить работу хорошо, достичь определенного результата. Когда на занятиях – чтобы лучше всех была работа, или по крайней мере не хуже остальных (бегаете и смотрите по аудитории, у кого какие успехи и переживаете, если у кого-то дела идут лучше); если рисуете по видео-уроку, то мозг занят тем, чтобы сделать точно как в уроке, и расстраиваетесь, если вышло хуже, или злитесь, что урок корявый; когда с репетитором занимаетесь – то вообще мозг мало работает, потому что за Ваш мозг работает преподаватель. Когда Вы занимаетесь скетчингом наедине с собой – это чистейшей воды творческий процесс. Именно ПРОЦЕСС творчества дает наивысшие результаты в любой деятельности. Скетчинг не ограничивает Ваше сознание какими-то нормами, техниками, боязнью ошибиться в конце концов. Вы просто рисуете, как чувствуете, изучаете именно форму предмета в общем, и пытаетесь передать свои наблюдения и впечатления. Если Вы рисуете что-то из головы, то это вообще увлекательно, Вы находитесь в творческом поиске той формы, через которую выразите свои задумки. Вы создаете образ чего-либо на листе, зачастую не зная, какой будет результат. При этом Вы просто получаете удовольствие от процесса.
Чем больше Вы зарисовываете окружающий мир просто так, тем легче будет рисовать работы, нацеленные на результат.
Рисуйте! Просто рисуйте, с удовольствием, а не в муках, когда же научусь рисовать!
Набросок краткосрочный рисунок небольших размеров, в котором минимумом изобразительных средств переданы основные характеристики натуры, а обобщение зрительных впечатлений трансформируется в художественный образ. Главное назначение наброска заключается в том, чтобы в короткий промежуток времени – до 30 минут – передать пропорции, движение и характер модели, дать общее представление о натуре, лаконично и обобщенно отобразить типичное в ней. Наброски выполняются с натуры, по памяти, по представлению и по воображению, используются в качестве упражнения, а также выступают в роли подготовительного материала для картины.
Кроки (фр croqius – кроки, эскиз, набросок)- это разновидность наброска, сверхбыстрый рисунок небольших размеров, беглая лаконичная фиксация, композиционного замысла, выполненная графическими материалами с натуры, по памяти и по воображению.
Зарисовка кратковременный рисунок с натуры, по памяти, по представлению и по воображению. Длительность сеанса до трех часов. Отличие от наброска состоит в более длительной, а следовательно, более детальной проработке изображения с использованием тона, передает пластическую и тональную моделировку формы предметов.
Этюд (фр. Etude – изучение) живописное краткосрочное произведение, чаще небольшого размера, исполняемое с натуры, по памяти и по представлению с целью её изучения; имеет как самостоятельное, так и вспомогательное значение. Временной интервал колеблется от нескольких минут до трех астрономических часов. Как часть профессионального тренинга выступает в роли упражнения для формирования или совершенствования навыков мастерства, овладения техническими приемами. Выделяют этюды-«нашлепки» и этюды-наброски(живописные наброски)
Эскиз (фр esquisse – эскиз, набросок, очерк) – изображение вспомогательного характера, отражающее идею будущего произведения, вобравшее в себя лучшее из подготовительного материала. Может отражать как произведение целиком, так и его фрагменты. Назначение эскизов, прежде всего, композиционно решить тему, сюжет. Выбор изобразительных и композиционных средств, формата, материалов и технических приемов многообразен и определяется автором: эскиз может выглядеть как кроки или как композиция «в материале». В ходе работы над темой чаще всего выполняется серия эскизов. Наиболее удачные отразившие замысел и структурированные эскизы используются и развиваются в дальнейшей работе, а иногда попросту механически увеличиваются.
